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Rememorando veranos cinematográficos (1995)
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Ahora alejémonos 5 años más hacia el pasado para recordar las películas que en esta época de verano cumplen su 25 aniversario:

  "Jungla de Cristal: La Venganza":

[Imagen: 11ED22w4712ZHxNVNZCVV.jpeg]

  Tras convertirse en estrella incontestable con las dos primeras entregas estrenadas en 1988 y 1990, Bruce Willis había conseguido cimentar su prestigio como actor gracias a participaciones en films alejados del género de acción como "Pensamientos Mortales", "La Muerte os Sienta tan Bien"(Donde borda un personaje en las antípodas de su imágen de tipo duro) "Billy Bathgate" y sobre to do "Pulp Fiction". Al mismo tiempo compaginó estos films con otros en los que intentaba mantener el "status" de mayor estrellla de las cintas "actioners" con títulos como "El Ultimo Boy Scout"(Que cambiando el nombre del protagonista hubiera sido la secuela ideal del primer "Die Hard"), "Persecución Mortal" o "El Gran Halcón", pero tan solo el primer film, dirigido por Tony Scott le funcionó siendo los otros dos fracasos y en el caso de "El Gran Halcón" uno de proporciones épicas, ya que con su altísimo presupuesto tuvo recaudaciones raquíticas que hundieron la incipiente y prometedora  carrera de su director Micheal Lehamnn.

   No es por tanto de extrañar que Willis aceptara a ponerse de nuevo en la piel de John McClane, sobre todo con la garantía de la vuelta en las labores de dirección de John McTiernan, en lo que parecía intentar volver al tono del primer film tras los excesos verbeneros y la megalomanía que presidían la segunda entrega dirigida por Renni Harlin. El que no volvía era Joel Silver, el cual delegaba las labores de producción en el resucitado Adrew G. Vajna, ex-socio de Mario Kassar en Carolco Pictures y que había decidido ir por libre montando su propia productora en exclusiva: Cinergi Pictures Entertaiment y para la que John McTiernam ya había rodado su propio intento de desmarcarse del cine de acción, el drama-aventurero-ecologista: "Los Ultimos Días del Edén" con Sean Connery.

  Sin embargo este tercer film acabó siendo aún más diferente del original. Para empezar se abandonaba los escenarios claustrofóbicos en los que McClane debía de enfrentarse a los terroristas de turno para situar la acción a cielo abierto en las calles y avenidas de Nueva York. También se abandonaba la atmósfera nocturna que caracterizaba los films anteriores haciendo que toda la trama transcurriera a plena luz del día, salvo el climax final (Tema este, el del climax final, sobre el que ahondaré más), y otro cambio, este todo un acierto, fue el de, adoptando el tono de las "buddy movies", darle a McClane un escudero compañero de aventuras bajo la forma de un huraño dueño de ferretería del Bronx convertido muy a su pesar en colaborador y ayudante del policia. Personaje  encarnado a la perfección por un Samuel L. Jackson, que tras años labrándose una carrera como actor secundario, a muy tardía edad alcanzaba las mieles del estrellato con Tarantino y consagraba dicho status con este film. Otra diferencia notable es que mientras que las dos primeras películas eran una montaña rusa en que las escenas de acción con sus explosiones y tioretos se superponían unas sobre otras, aquí se intenta compaginar la acción con el thriller, a través de los juegos de inteligencia y engaños con los que el villano reta a McClane y su compañero, con la amenaza de atentados con bombas si estos no salen airosos de los retos.

  Quizás esas diferencias se deben a que el guion del film originalmente no tenía nada que ver con la saga, sino que titulado "Simon Says" trataba sobre un policía(Que no tenía nada que ver con el personaje emblemático de Bruce Willis) enfrentado a un villano que le sometía constantemente a acertijos y pruebas mentales(Algo así como el Riddler de los cómics de Batman), pero a los productores de esta tercera entrega les gustó tanto que ordenaron una reescritura para acomodarla y convertirla en la tercera parte de "La Jungla de Cristal". Lo que más quebraderos de cabeza dio fue el final. Originariamente la película debía terminar con el villano Simon y sus secuaces pereciendo en un avión mientras sobrevuela el oceano cuando este abre una maleta que resulta ser la del explosivo que McClane y Zeus encuentran en la fuente, Simon ironicamente pregunta a sus hombre "¿Alguien tiene una garrafa de 4 galones"? en el momento justo antes de la explosión.  Esto no convencía porque se consideraba que el film debía acabar en un enfrentamiento entre héroe y villano.
 
  En consecuencia se terminó escribiendo y rodando otro final en el que habiendo conseguido el villano Simon huir(Y al parecer triunfar en su plan de robo) finalmente era localizado tras una exhaustiva busqueda por McClane(Expulsado de la policía) en e lobby de un restaurante/comedor/club privado de un país indeterminado de Europa del Este y retaba a Simon a un juego de preguntas y respuestas con un lanzacohetes trucado en el que no se distingue la salida del proyectil de la de los gases, como ruleta. Este final fue descartado por ser poco espectacular, dar una imagen demasiado "Punisher" de McClane y además mostrarlo como un tramposo(Al final queda demostrado que su vida no corría peligro durante el juego por llevar una coraza protectora oculta:



  Al final se terminó rodando un enfrentamiento final villano/héroe en helicópteros en Canadá. Se nota que fue un final improvisado deprisa y corriendo porque carece de la fluidez y claridad expositiva que la puesta en escena y el montaje realizados por McTiernam siempre hacen gala. 

  Destacar la elección de Jeremy Irons como villano  Simon Gruber que resulta ser el hermano del del flm original Hans Gruber, idea que fue rescatada de los primeros bocetos de guion de la último película "oficial" de Sean Connery como James Bond: "Diamantes Para La Eternidad", donde originalmente se planteó la idea de que Gert Fröbe, el mítico "Goldfinger", volviera en forma de hermano gemelo de este y cuya obsesión no era el oro sino los diamantes. Lo cierto es que la publicidad gráfica hizo mucho hincapie en la imagen elegante y distinguida de Irons, mostrándole con las gafas de sol y el impecable traje que luce en la escena del asalto al banco(No se puede empezar un atraco con más clase), vendiendo así la idea de que estábamos ante el mismo tipo de villano que interpretaba Alan Rickman. 
[Imagen: 8ec45ef33adb9501ef573e1dcae8f0cd.jpg]
pero Jeremy Irons insistió en que su personaje se desvinculara y tuviera personalidad propia. Así pues frente a la crueldad desalmada de Hans, Simon es descrito como un ex-militar con un cierto código de honor(Que se siente obligado a vengar a su hermano aunque repudia su crueldad terrorista) y aunque le veamos trajeado en sus primeros momentos en pantalla, el actor insistió en que durante casi toda la película luciera un "look" inspirado en artistas del rock basado en pantalones militares, y camisetas ajustadas sin mangas gracias a los que pudimos apreciar el entrenamiento al que Irons se sometió para muscularse y fibrarse.
[Imagen: 44538be3c8b6b0aa7791c3ea853c50d1.jpg]
   
  Al final pese a la excelente química Willis/Jackson y el buen trabajo de Irons el film se queda lejos de la calidad del original, la mezcla de suspense(Los juegos de inteligencia y trampas de Simon) y las secuencias de acción y tiroteos están algo deshilachadas entre sí y en ambos casos les falta algo de fuerza, el humor aquí es más intrusivo  y el ritmo es mucho menos enérgico que el del la secuela de Harlin, pero aún así el resultado además de entretenidísimo y el público la premió convirtiéndolo en el film más taquillero a nivel mundial de 1995. Sigue siendo la última entrega digna de una saga que a partir de ahí fue cada vez más cuesta abajo. Porque un John McTiernam inspirado a medias sigue siendo muchisimo mejor director que Len Wiseman y no digamos ya John Moore.

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#2
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[Imagen: Ri3oNuW3R0EW4Zt31IK3Y.jpeg]ç

  En su deseo porque un reticente Tim Burton dirigiera la segunda entrega de "Batman" tras el estruendoso éxito del primer film Warner Bros le concedió al director libertad creativa absoluta, algo de lo que el estudio terminaría arrepintiendose.

  Porque lo cierto es que aunque el primer fin de semana en taquilla de "Batman Returns" fue espectacular, a partir del segundo los ingresos fueron disminuyendo de forma estratosférica ante el boca-oreja de los padres de familia que desaconsejaban llevar a la familia y a los crios a ver un film extremandamente siniestro que llegaba a aterrorizar a los más pequeños(En especial las escenas protagonizadas por el grotesco Pingüino interpretado magistralmente por Danny DeVito, y que además mostraba una relación Batman/Catwoman de claras connotaciones de erotismo sadomasoquista. Pero lo que más dolió a Warner fue que McDonalds, que había llegado a un preacuerdo con el estudio para lanzar una campaña de menús "Happy Meals" relacionados con el film, se echara atrás y dejara de pagar una cantidad de muchos millones.

  Tim Burton había conseguido hacer un film mucho más personal, pero muy poco vendible como "film para toda la familia", por eso cuando empezó a reunirse con la cúpula del estudio para compartir sus ideas para una eventual tercera entrega no tardó en notar la frialdad de esta. Escaldados, querían que Tim Burton abandonase la franquicia y sustituir al "autor" por un "director artesano" que se plegase más a las convenciones requeridas para crear un blockbuster comercial lo suficientemente inofensivo y nada transgresor para que sirviese como generador de muñecos camisetas y productos para toda la familia(Vamos lo que es la producción cinematográfica actual de Disney).  Así pues Tim Burton abandonó la silla de director para pasar a ser acreditado como productor. En realidad no hay constancia de que el director de "Bitelchús" pisara siquiera alguna vez el plató de esta tercera entrega pero era una forma de mantenerlo en los créditos y contentar así a los que admiraban los films anteriores, al día la única aportación reconocida de Tim Burton es el hecho de que fue él quien sugirió sus sutituto en la dirección: Joel Schumacher.

  A priori la elección no era mala, era un artesano capaz de acatar todo lo que le exigiera el estudio pero era un director que había hecho películas tan interesantes como ""Saint Elmo, Punto de Encuentro", "Jóvenes Ocultos", El Cliente"  y sobre todo "Un Día de Furia", este último film podía hacer creer que con Schumacher hubieramos tenido lo que nos dio Nolan con Batman pero 10 años antes.

  Sin embargo el resultado fue decepcionante. Schumacher optó en su tratamiento de Batman por la visión condescendiente que había en el audiovisual en torno a los cómics y los superhéroes antes de que Richard Donner y Tim Burton cambiaran esa visión. Volvimos a los tiempos de Adam West, de "Barbarella" o "Diabolik"....esto es la adaptación de cómic como algo que en esencia ha de ser excesivamente colorista hasta la horteridad y el mal gusto autoconscientes, donde los personajes han de estar interpretados por el histrionismo caricaturesco más extremo, en especial los villanos. Con una estetica gay-reinona que convierte los fims más locazas de Pedro Almodovar o el "Flash Gordon" de Dino de Laurentiis en ejemplos de austeridad visual

  Michael Keaton en un principio se mostró receptivo a seguir en el papel de Bruce Wayne/Batman a pesar de la huida de su amigo Tim Burton, incluso hay fotos de la creación de un nuevo traje de Batman basado en el molde de cuerpo de Keaton con un maniquí que tiene sus facciones, sin embargo al recibir el guion y darse cuenta de lo espantoso que era, decidió poner pies en polvorosa(Ya podría haber hecho lo mismo Arnold Schwarzenegger con todas las entregas de "Terminator" a partir de la tercera). El sustituto fue un Val Kilmer, cuya mayor presencia física(Más alto, algo más corpulento y con una contundente mandibula cuadrada) hizo que el creador del personaje Bob Kane y los fans fueran receptivos con el cambio, sin embargo durante toda la película Val Kilmer transmite una sensación de "¿Que demonios estoy haciendo yo en esta mierda?" por lo que no es de extrañar que terminado el film, no quisiera volverse a poner el incomodo traje de latex del superhéroe.

  En el bando de los villanos un desatado Jim Carrey interpretando a un The Riddler se limita a ejercer el sobreactuado ejercicio de muecas que eran su marca de fábrica entonces y que ya había explotado el año anterior en otra película basada en un cómic: "La Máscara" y Tommy Lee Jones dilapidaba el prestigio que había conseguido con su Oscar por "El Fugitivo" en la más ridícula y espantosa versión audiovisual jamás realizada del personaje de Dos Caras(Billy Dee Williams que interpretó a Harvey Dent en el primer film al día de hoy debe de sentirse aliviado de que no contaran con él para semejante espanto).

  Un film totalmente fuera de su tiempo, que bebe más de la serie de la tv y de los ingenuos cómics del personaje de los años 40 que de las viñetas que sobre él se publicaban en ese momento, pero aún así el tono más familiar y el mayor hincapie en las escenas de acción(Aunque estuvieran pesimamente rodadas) hizo que la chavaleria recibiera esta película con más entusiasmo que "Batman Vuelve" por lo que a la postre terminó convirtiéndose en el film más taquillero del box office USA ese año:
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La Jungla 3 no la vi hasta pasados un par de años o tres, yo tenía diez años y aquello era una película 'para mayores'.
Qué curioso lo del final original. Supongo que, a parte de lo que comentas, también les pareció que era demasiado parecido al de la segunda película.
A mi me parece un peliculón, y quizás el canto de cisne del cine de acción de la vieja escuela. Como mínimo, a la altura de la primera.

Batman Forever sí que la fui a ver, y me flipó mucho. Aluciné con la acción, los efectos y con el batmóvil, cuyo juguete se dejó caer por mi casa las Navidades de aquel año.
Lo he contado muchas veces: es la película con el volumen más alto que he vivido jamás en una sala de cine. Cada vez que había una explosión o rugía el Batmóvil, se te movían todas las tripas.
La peli es una mierda pero a mi me mola. No se, le tengo cariño. Y el batmóvil me sigue flipando.
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(15-06-2020, 01:04 AM)manuwar escribió: La Jungla 3 no la vi hasta pasados un par de años o tres, yo tenía diez años y aquello era una película 'para mayores'.
Qué curioso lo del final original. Supongo que, a parte de lo que comentas, también les pareció que era demasiado parecido al de la segunda película.
A mi me parece un peliculón, y quizás el canto de cisne del cine de acción de la vieja escuela. Como mínimo, a la altura de la primera.

Batman Forever sí que la fui a ver, y me flipó mucho. Aluciné con la acción, los efectos y con el batmóvil, cuyo juguete se dejó caer por mi casa las Navidades de aquel año.
Lo he contado muchas veces: es la película con el volumen más alto que he vivido jamás en una sala de cine. Cada vez que había una explosión o rugía el Batmóvil, se te movían todas las tripas.
La peli es una mierda pero a mi me mola. No se, le tengo cariño. Y el batmóvil me sigue flipando.
  A mi el Batmovil de esta película me parece que coge una buena idea como es la de inspirarse en la estética biomecánica de Giger pero que no lo desarrolla bien: Un 3xc3so de luz fluorescente que no casa con lo que se suponerse el vehículo de El Caballero Oscuro"  y una aleta superior hipertrofiada que hace que por contraste el coche parezca pequeño. Aún así es mejor diseño que el coche que luego coneuciría George Clooney.
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Sigo rememorando la temporada veraniega de aquel año 1995:

    "Braveheart":

[Imagen: 17668pJfbG7I3Vfo1wco8.jpeg]

   Lo cierto es que en los años 80 y  primeros 90 en Hollywood las espadas, cotas de mallas y armaduras de estilo medieval tan solo aparecía en el cine a través del subgenéro de la fantasía heroica, en películas como "Excalibur", "Krull" "Lady Halcón" o "Willow" que tampoco solían tener un excesivo existo en taquilla debido a la poca identificación del público con este periodo histórico, y su principal reclamos era el elemento fantástico por encima del histórico. Tan solo la versión del mito del ladrón del bosque de Sherwood: "Robin Hood Principe de los ladrones" había funcionado muy bien en taquilla gracias al gancho de un Kevin Costner en la cumbre de su carrera(Si bien hay que decir que esta versión tenían ciertos toques propios de la fantasía heroica como el personaje de la bruja o esos tan brutales como fantasmagóricas hordas celtas que parecen sacados de un relato de Robert E. Howard, el creador de "Conan, el bárbaro" y que protagonizan la mejor escena de la película). Aunque la reacción postvisionado del film no fue demasiado entusiasta como para plantearse una secuela y para muchos lo mejor de la película acababa siendo la  banda sonora de Michael Kamen y la balada rockera  "Everything I do (I do it for you)" compuesta entre el compositor y Bryan Adams  para el film cuyo éxito ha acabado sobrepasando al de la propia película.

  Es en esta tesitura, Mel Gibson, que gracias a su éxito con la saga "Arma Letal" o con otro films como "Maverick"(Un  raro caso de superproducción western moderna que acabó siendo bastante lucrativa porque recaudó más del doble de su alto presupuesto, cosa de la que no pueden presumir Will Smith con "Wild, Wild, West" o Johnny Depp con "El Llanero Solitario") y que había debutado en la dirección con un pequeño drama :"El hombre  sin rostro"(1993) cosechando elogios por parte de los críticos, incluso entre aquellos que ceñían el entrecejo ante sus trabajos de actor en blockbusters de acción se empecina en una locura: Rodar una superproducción épica medieval. Pero no un film de capa y espada y tono familiar para todos los públicos que garantizase la asistencia del público de cualquier edad y de familias enteras y facilitase así los 53 millones que acabaría costando la película. Mel Gibson estaba empecinado en rodar una película épica adulta, al estilo de las producciones más grandes que la vida misma que el Hollywood mainstream hacía en los 60 con títulos como "Espartaco" o "El Cid". Una cinta que hablara, al igual el film de Kubrick sobre la lucha de un lider revolucionario que lidera a todo un pueblo contra sus opresores y que al igual que el film de Anthony Mann ofrecía un retrato ensalzador e idealizado(Quizás en exceso) de un mito nacional, aunque en este caso escocés en lugar de español. De igual manera, Gibson quería rodar escenas de batallas que lucieran con las mismas dosis de espectacularidad que el de estos dos films, pero, aprovechando que la censura cinematográfica y la sensibilidad en torno a la violencia ya no era la de los 60, retratarlas en toda su brutal crudeza, como los baños de sangre que en realidad eran, por lo que la película obligatoriamente iba a tener una clasificación "R" que dificultaría aún más su ya de por sí difícil rentabilidad en taquilla. Para ennegrecer aún más el panorama comercial del film, los antagonistas del héroe protagonista y por tanto villanos serían los ingleses, que precisamente dentro del mercado internacional son uno de los principales fuentes de taquilla de las producciones "made in Hollywood" y a los que el cine norteamericano siempre ha malacostumbrado mostrándolos como "los buenos" frente a los pérfidos alemanes nazis o a los crueles sicarios de la España imperial.

  El personaje retratado en cuestión era William Wallace, quien a finales de siglo XIII había liderado la revuelta escocesa contra el dominio sobre escocia del rey Ingles Eduardo I "Longshanks" tras la muerte del monarca escocés Alejandro III, revuelta que terminó siendo aplastada y William Wallace capturado, juzgado y ejecutado.  El libreto venía escrito por otro Wallace, de nombre Randall, quien estando de visita turistica por Escocia se encontró con una estatua dedicada a aquel con quien compartía su apellido e intrigado acabó documentándose sobre él y escribiendo un guion cuyos derechos llegaron a MGM/Pathé adquiridos a través de Alan Ladd Jr.(El mismo productor que convención a Fox para que amparase a George Lucas y su "Star Wars" en 1976), pero como hemos dicho eran tiempos en que este tipo de historias no se estilaban en Hollywood y la Metro tampoco estaba muy sobrada en aquella época para producir una película de un género que ya no era rentable en taquilla.

  Peero el guion llegó a manos de Mel Gibson el cual lo presentó a Warner Bros, estudio con el que tenía unas excelentes relaciones gracias al éxito de las nombradas "Arma Letal" y sus secuelas, "Maverick" y "Eternamente Joven". Warner se comprometió a apoyar el proyecto, que se realizaría a través de la propia productora de Gibson Icon Pictures, siempre y cuando este se comprometiera a rodar una cuarta entrega de "Arma Letal", proposición que el actor, cansado ya de la saga, rechazó(Aunque años después terminaría volviendo al papel de Martin Riggs).  Finalmente Gibson y su empresa Icon Pictures llegarían un acuerdo de  co-producción y distribución con Paramount y Fox, aunque tuvo que renunciar a su idea de limitarse a labores de dirección y que el entonces emergente pero aún no del todo estelar Brad Pitt protagonizase la película y ser él mismo el que se pusiera en la piel de William Wallace, debido a su entonces mayor tirón en taquilla que Pitt.

    Junto a Gibson encontramos un sólido reparto. El excelente actor Patrick McGoohan que en los años 60 había tenido una gran popularidad por sus papeles en cine y sobre todo por su protagonista en la serie de culto "El Prisionero" se puso en la piel del antagonista de Wallace, el rey de Inglaterra Eduardo I "Longshanks". Sophie Marceau, actriz cuyo talento y desbordante belleza la habían convertido ya en toda una gran estrella en Francia a pesar de tener en el momento del rodaje solo 28 años, se ponía en la piel de la princesa Isabella de Francia, nuera de Longshanks a causa de un matrimonio forzado con el príncipe Eduardo II y a la que el destino acabará llevando a vivir una breve pero intensa historia de amor con el revolucionario escocés. Con este film Marceau durante un lustro comenzaría una carrera internacional  con la que tenía en su propio país para, al empezar el nuevo siglo, centrarse en esta última.  Una casi debutante Catherine McCormack(Con solo 22 años se enfrentaba a su segunda película) encarnaba a Munrro, la joven esposa de Wallace cuya cruel muerte a cargo de los invasores. Otro actor que también empezaba a introducirse en el mundo del cine, el escocés Angus McFadyen, interpretaba al aspirante al trono de escocia Robert The Bruce, dividido entre la lealtad y admiración que profesa hacia Wallace y las intrigas políticas en las que le sumerge su leproso padre, con este papel McFadyen se postulaba para obtener una carrera como actor cinematográfico que al final no ha sido tan destacada como se esperaba. Junto a estos actores que representan los papeles más destacados nos encontramos a sólidos secundarios escoces e ingleses como Brian Cox, Brendan Gleeson, James Cosmo o Alum Armstrong. El rodaje se realizó en Irlanda, con la ayuda de miembros del ejercito irlandés como extra, cuya naturaleza ya de por sí ruda se embrutecía más cuando algunos se presentaban al rodaje de las escenas de batalla después de haber realizado un largo recorrido por las tabernas de las localidades cercanas realizando maratonianas ingestas de alcohol, hecho que provocó algún problema a la hora de rodar al encontrarse muchos de ellos aún en un evdiente estado de intoxicación etílica cuando la cámara empezaba a rodar.

  Uno de los puntos fuertes del film fue la banda sonora compuesta por un James Horner que por primera vez tiraba de las melodías de inspiración céltica, con gran preponderancia en el uso de la gaita escocesa,  que volvería a utilizar de nuevo 

  Filmada con un dominio de la narración cinematográfica admirable (Su abultado metraje pasa como un suspiro) con una puesta en escena impoluta que destaca tanto en los momentos íntimos(Las escenas de Gibson son McCormack y Marceau y en realidad todas ellas que relatan la faceta más humana del mito que es Wallace) como en los más grandilocuentes(Esas batallas magníficamente rodadas, donde Gibson sabe usar los recursos técnicos inexistentes en los años 60 cuando estos filmes eran moneda común, como el uso de caballos mecánicos en las secuencias en que la caballería británica carga contra los escoceses para ser detenida gracias a unas estacas/lanzas enormes), a la película solo se le puede poner un pero: El excesivo maniqueismo del que hace gala a la hora de describir a los personajes, en especial a los enemigos de Wallace: Ese Eduardo I que es descrito como el más cruel y mezquino de los hombres, sin la más mínima brizna de bondad y nobleza y de su principesco hijo. Para colmo de males, a la hora de retratar la homosexualidad de este último Gibson tira del estereotipo del gay como un ser física y psicológicamente debil y apocado y carente de valor, arrojo y seguridad en si mismo, lo que solo sirvió para acrecentar aún más la fama de homófobo que Mel Gibson arrastraba a cuenta de unas desafortunadas declaraciones que hizo en 1987 durante la promoción de "Arma Letal"(Curiosamente a un periodico español), a cuenta de los rumores que insinuaban su homosexualidad.

  Pero más allá del maniqueismo algo extremo y simplista del retrato de alguno de sus personajes, y el uso de estereotipos homófobos y también simplistas sus virtudes sobrepasan y compensan por muy mucho dichos defectos demostrando que Mel Gibson no solo podía rodar "un pequeño retrato" como había sido "El Hombre Sin Rostro", sino también un gigantesco lienzo épico como es "Braveheart" y que abrió la puerta para que el cine épico clásico volviera por la puerta en Hollywood a través de futuros films como "Gladiator" o "El Señor de los Anillos"(Aunque a diferencia de estos dos filmes el de Gibson es mucho más analógico y no tira de multitudes o decorados CGI como las películas de Ridley Scott y Peter Jackson).  El film fue un éxito mundial, aunque como suele pasar con los de temática medieval tuvo más impacto fuera de Usa(Donde la distribuía Fox) que en USA(Donde la distribuidora era Paramount) y la Academia encumbró a Gibson al Olimpo de la industria otorgándole el Oscar a la mejor película y mejor director, junto al de fotografía, edición de sonido y maquillaje. En toda su carrera fue el momento en que el bueno de Mel voló más alto.

  A modo de curiosidad histórica, cuando el film llegó a España en octubre de ese año, tuvo el honor de ser la primera película que se distribuía en nuestro país a través de la recién creada filial Fox España:

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Por partes!

Recuerdo que La Jungla 3 me la pillé en VHS en el Pryca, y le di una cera tremenda. El inicio con el tema "Summer in the cityy" cortado de súbito por el primer bombazo de Simon me sigue pareciendo un arranque tremendo. A partir de ahí mis ojos preadolescentes asistieron a un festival de acción, humor, violencia y tacos. "Sí, Zeus. El del Monte Olimpo, el de no me toques los cojones que te meto un rayo por el culo. ¿Te parece mal, o qué?".Grandioso. Para el recuerdo la escena de la persecución en taxi o el segmento en el que Simon saquea las arcas de la reserva federal.

Batman Forever fue otra peli que se vino a casa en VHS. Mis padres no eran muy de llevarnos al cine así que calmaba mis ansias con grabaciones de la tele (mi padre se dedicaba por aquel entonces a la reparación televisores y vídeos, así que siempre había cintas vírgenes en casa de las que tirar) o cintas originales que mi madre me compraba de vez en cuando tras mucho insistirla. Esta Batman se vino para casa, y me flipó mala manera. Los colorinchis, Carrey y su histrionismo, el batmóvil, y lo crujible que estaba Nicole Kidman hacían que no apartase los ojos de la tele. Me sabía los malditos diálogos de memoria. Nunca he tenido los huevos de revisitarla una vez ya crecidito. La veo fantástica en mi recuerdo como algo entrañable, y no la puta mierda que seguramente sea en realidad.

Braveheart fue todo un acontecimiento. Era algo muy mítico cuyos anuncios recuerdo muy vagamente, pero se me marcaron a fuego ejércitos cargar unos contra otros. Era la época en la que una película podía tirarse meses en cartelera. Cuando al fin la vi, recuerdo que fue la primera vez,viendo una película, que sentí una marea de lágrimas incontenible con el grito de libertad de Gibson al final. Tremenda película con aroma a clásico que sigue siendo un peliculón hoy día. Por cierto, no le dieron a Horner el Oscar por la partitura de esta película? Creía que sí. Quién ganó ese año?
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(23-06-2020, 01:13 PM)Leto83 escribió: Por cierto, no le dieron a Horner el Oscar por la partitura de esta película? Creía que sí. Quién ganó ese año?

Ganó Luis Enriquez Bacalov por El Cartero y Pablo Neruda.
El típico exotismo que le gusta a la academia en ocasiones y que competía, además de con Horner por partida doble (Braveheart y Apolo XII), con John Williams (Nixon) y Patrick Doyle (Sentido y Sensibilidad).
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(23-06-2020, 01:13 PM)Leto83 escribió: -.......... Era la época en la que una película podía tirarse meses en cartelera..............
  Ese comnetario me ha arrancado una sonrisa porque yo recuerdo que en aquella época 1995 lo que solía durar en la cartelera una película de éxito como Braveheart eran 4 meses como mucho, caso excepcional fue el de "Titanic" que en mi ciudad esuvo 8 meses en cártel, pero es que "Titanic" tiene el record histórico absoluto de espectadores en España. Lo cierto es que lo que duraban las películas en cartel en 1995 era muchísimo menos de lo que yo recuerdo que duraban cuando era niño en los primeros 80. Primero porque se lanzaban muchas menos copias que ahora(No había un multicine con pantallas múltiples en cada ciudad mínimamente grande) las cuales iban "rulando" de cine en cine y de localidad en localidad(Y si tardaba mucho tiempo la copia en llegar al cine de tu localidad/barrio la copia ya podía estar algo deteriorada) y segundo porque un blockbuster ultrataquillero tipo "Superman" "Tiburón", "Rocky" o "En Busca del Arca Pérdida", perfectamente podían aguantar un año exhibiéndose en Madrid o Barcelona, a finales de los 70 y primeros 80 e incluso bien entrados en esta última década porque había "ventanas" de explotación establecidas en el sector que impedía sacar en VHS para el videoclub hasta que no hubiese pasado un año desde el estreno en sala(Con el tiempo esta "ventana" fue empequeñeciéndose y de ahí la proliferación de los complejos multisalas y el aumento de copias lanzadas a fin de explotar la película en salas el mayor tiempo posible.
  Por eso me resulta simpático que los que no vivisteis en los 70 y primeros 80 que lo que duraban las películas en salas en 1995 era mucho tiempo.
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Otra película clave de ese verano de 1995:

[Imagen: 35uuruVI7M807fSZZqSY1.jpeg]

  Ron Howard, a pesar de tener ya firmados algunos trabajos como director en cine y tv,  con "1, 2, 3 Splash" empezó a ganarse  la categoría de artesano competente dentro de la industria, capaz de realizar películas de diferentes tipos de film, desde la ciencia ficción geriátrica-amable de "Coccon" hasta la fantasía heroíca de "Willow", la crónica documentalista sobre el periodismo que es "The Paper" o el western épico a mayor gloria de Tom Cruise y Nicole Kidman "Un Horizonte Muy Lejano" Todas producciones dentro de los parámetros de Hollywood, con una vocación clara de triunfar en taquilla(Quizás no tanto "The Paper" cuya temática no es de las que arrastra a las multitudes a los cines aunque cuente con entrellas como Michael Keaton, Roberd Duvall y Glenn Close) aunque sin descuidar la calidad y con una fáctura técnica impecable. Aunque eso sí no intentemos buscar mucha personalidad y estilo propio en su cine.

  Su currículum que demostraba su buena conexión con el público y el hecho de reunirse de nuevo tras "1, 2, 3, Splash" con Tom Hanks que estaba en lo más alto de su carrera tras su taquillazo inesperado con "Forrest Gump" y que además le había dado su segunda Oscar consecutivo tras "Philadelphia" tenía todas las papeletas para ser un evento que llenara las salas, cosa que sí sucedió a pesar del handicap en Estados Unidos de que, frente a la visión enaltecedora y triunfalista que Hollywod siempre vende de la Historia de su país, lo que se contaba era básicamente la crónica de un fracaso(El desastroso intento del Apolo XIII) de llegar a la Luna que básicamente acabó con el programa de exploración del satélite) y en lo que respecta al público del resto del mundo, de tratarse de una Historia norteamericana muy localista y que fuera de Estados Unidos apenas era recordada.
 
 ¿Por qué entonces la película fue un éxito?. En primer lugar porque inteligentemente se centra en el drama humano de esos 3 astronautas a la deriva en el espacio intentado sobrevvir mediante su ingenio y la ayuda y consejos que los técnicos de la NASA les envía desde la Tierra por lo que al final lo que se nos vende no es el fracaso de intentar llegar a la Luna, sino una Historia de supervivencia con final feliz.  De hecho Ron Howard se sorprendió en los test de prueba de la película, al leer en una tarjeta de un espectador una valoración muy negativa alegando que la película tenía un final "demaisado Hollywoodiense" y que en la vida real los astronautas no habrían sobrevivido. Evidentemente quién la escribió desconocía que el film está basado en hechos reales.
  En segundo lugar por el tremendo poder de convocatoria e Hanks, como Jim Lowell, el lider de la tripulación que tras sus inicios como actor de comedias ligeras en los 80 era ya un consagrado actor dramático, unido a un reparto de campanillas donde todos brillan a un gran nivel.  La propía esposa del astronauta Marlyn Lowell, aquí encarnada por Kathleen Quinlan pero que en la vida real ella misma es actriz, reconoció que Hanks había clavado todos los manierismos de su marido. Gary Sinise está esplendido como Ken Mattingly, el astronauta que intentará ayudar en todo lo posible a la supervivencia de sus compañeros tras ser reemplazado por un leve problema de salud en la misión por Jack Swigert(Kevin Bacon) y el desaparecido Bill Paxton interpreta al tercer tripulante Fred Haise, dándo ambos perfecta réplica a Hanks.

   Y que decir de Ed Harris como Gene Kranz el jefe en la sala de control de la NASA y que como suele ser habitual en este actor, se come la pantalla con cada aparición hasta el punto de que uno llega a plantearse que le roba el protagonismo a Hanks y que es él quien debería aparecer como rostro y nombre de la película.

  La película fue tras "True Lies" el segundo trabajo importante de "Digital Domain" la empresa de efectos especiales creada por James Cameron y que con esta película se consagraba(Antes de la aparición de la Weta de Peter Jackson) como el rival más serio para arrebatarle a la Industrial Light & Magic de George Lucas el reinado en este campo).  Lo cierto es que las tomas espaciales del vuelo del Apolo XIII lucen tan increiblemente verídicas que el auténtico Jim Lowell(Que tiene un pequeño cameo dentro del film) llegó a creer que se habían usado imágenes de archivo para estas. Un trabajo absolutamente excepcional y mastodóntico que sorprendentemente perdió el Oscar en favor del realizado por la compañia "Ryth and Hues Studios" para "Babe"(Lo cierto es que con todo el respeto para el film de George Miller, los hiperrealistas fx´s de "Apolo XIII" son más difíciles de conseguir y más meritorios.

  Un film que podría haber caído en todos los clichés y latiguillos melodramáticos y baratos del cine catastrofista, pero que gracias a la labor de Howard y un guion en el que participó alguien tan talentoso como John Sayles(Que reescribió el libreto original de William Broyles Jr. y Art Riner tras sumarse Hanks al proyecto) se erige en un drama adulto y austero y en el que los impresionantes efectos especiales están al servicio de la Historia y no al revés, una habilidad que Hollywood aprendió a hacer en los 90(Con títulos como este "Titanic", "Salvar al Soldado Ryan" o "Gladiator") pero que últimamente parece haber perdido.  En todo caso los 355,2 millones de taquilla mundial sobre un presupuesto de 62 demostró que el público sabía apreciar las películas en que el trabajo de fx´s fuera un instrumento y no un fin en sí mismo y la frase "Houston, tenemos un problema" se convirtió en una de esas lineas cinematográficas que forman parte del acerbo popular:

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#10
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Hace un porronísimo de años que no veo Apolo XIII. Siempre recordaré el día que fui a verla el cine porque el que estuvo a punto de abortar misión fui yo, del dolor de cabeza tremendo que me entró una media hora antes de salir para el cine.
Se me fue pasando así sin más, y a Dios gracias porque Apollo XIII fue otra de esas pelis de aquella época con el volumen generoso.

Como digo hace mil que no la veo, pero la recuerdo como muy buena peli.
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#11
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(24-06-2020, 11:41 PM)manuwar escribió: Hace un porronísimo de años que no veo Apolo XIII. Siempre recordaré el día que fui a verla el cine porque el que estuvo a punto de abortar misión fui yo, del dolor de cabeza tremendo que me entró una media hora antes de salir para el cine.
Se me fue pasando así sin más, y a Dios gracias porque Apollo XIII fue otra de esas pelis de aquella época con el volumen generoso.

Como digo hace mil que no la veo, pero la recuerdo como muy buena peli.

Yo la revisité hará cosa de 3 años o algo así. Ha aguantado muy bien el paso del tiempo.
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#12
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Otra película clave de aquel verano sobre la que se vertió muchos ríos de tinta:

[Imagen: 1gNU44V2cBT6Sh5TSVgAG.jpeg]

    Si hay algo que sabemos en España es que cuando triunfas y llegas en la cima, se empieza a generar hacia tú persona un rencor fruto de la envidia que puede llegar a niveles estratosféricos y aquel que en un principio se alegraba por tus progresos acaba deseando que te estrelles con todo el equipo, eso pasa incluso entre amigos de toda la vida.

  Pues por lo visto aunque no creo que con el mismo grado que sucede en esta cainista piel de toro, en USA también suele darse ese fenómenos y Kevin Costner puede dar fe de ello con esta película.

  El bueno de Kevin desde que adquiriese su primer papel protagonista importante con "Los Intocables de Elliot Ness" en 1987 había comenzado una carrerar meteórica y estratosférica que le habían erigido en uno de los reyes del box office gracias a films como "Campo de Sueños", "JFK",  "Robin Hood: Principe de los Ladrones" , "El Guardaespaldas" o su excelente colaboración con Clint Eastwood en "Un Mundo Perfecto". Además, salvo en el caso de su película sobre el bandido de Sherwood y su muy vapuleado film junto a Whitney Houston, las interpretaciones en todos estos films habían sido muy elogiadas, en especial la de "Un Mundo Perfecto" en que se alejaba radicalmente de su imagen de moderno Gary Cooper, especializado como él en papeles del perfecto ciudadano honesto americano.

  Para colmo se había consagrado como director con su opera prima "Bailando con Lobos" llevándose a sus aún muy jóvenes 36 años la estatuilla a mejor director junto a la de mejor película y consiguiendo que un género tan enterrado como el western viviera una era de resurrección en los años 90.

   Kevin Costner se había convertido en el "niño bonito" de Hollywood de ahí que a alguno ya se alegrara cuando su costoso (63 millonesy ambicioso "western" "Wyatt Earp" protagonizado por él y dirigido por Lawerence Kassdan fracasó en taquilla, la verdad es que la película pecaba de larga y pesada frente al desprejuiciado y mucho más entretenido y divertido tono de  western de acción de serie "B" que la estrenada previamente "Tombstone"(1993) también dedicada al mítico personaje y al duelo del O.K Corral.  Y la alegría aumentó cuando empezaron a surgir noticias referente a múltiples problemas en el rodaje de su siguiente film.
 
   El film en cuestión se trataba de "Waterworld", un film de ciencia ficción futurista en que con una estética claramente deudora de la saga Mad Max de George Miller. algo que sus artífices siempre reconocieron (Incluso el director de fotografía era Dean Semler que había trabajado en las dos últimas entregas de la entonces trilogía) mostraba un futuro planeta Tierra totalmente inundado por los mares después de que los hielos se fundieran, obligando a los humanos sobreviviente a vivir sobre superficies flotantes o navios. Kevin Costner interpreta el arquetipo de héroe errante en cuyo camino se cruza unos inocentes en peligro(Una mujer y una niña con un mapa tatuado que puede ser la clave para encontrar la llamada "Tierra Seca" y a los que, tendrá que proteger de una turba a medio camino entre bárbaros y piratas llamados "Smokers"(Liderado por un Dennis Hopper en modo "histrionismo total") que quieren hacerse con dicho mapa.

  La película que se rodaría en las costas de Hawai partía con un presupuesto de 100 millones de dolares, lo que ya de por sí la convertía en la producción más cara en la que jamás había intervenido Costner, superando ya de por sí por muy mucho los 48 millones de "Robin Hood Principe de los Ladrones" que era la que tenía hasta entonces ese "honor", y era la tercera colaboración de Costner con su tocayo el director Kevin Reynolds tras la citada película sobre el bandido de Sherwood y la poco conocida en España comedia de 1985 "¿Donde dices que vas?".  Además Costner había producido para Reynolds la exotica "Rapa Nui" sobre la extinción de la civilizaicón original que habitó la isla de Pacua. Pero Universal tenía plena fe en el proyecto y no dudó en poner el dinero.

  Sin embargo cuando aún quedaba muchísimos meses para el rodaje y la película estaba a rodar, empezaron a trascender a la prensa noticias sobre las tremendas dificultades por la que se estaba pasando en las localizaciones de rodaje, desde las dificultades a la hora de tomar las tomas motivadas por los continuos cambios en las corrientes y mareas que dificultaban el trabajo con la cámara y la continuidad en las escenas por los cambios de color de la superficie del mar que producían pasando por tener que reconstruir los gigantescos decorados de la película al ser estos destruidos por un huracán. Todo esto hizo que la película a mediados de 1994, es decir un año antes de su estreno ya había superado en 35 millones su presupuesto original el cual acabaría siendo de unos astronómicos 175, situándola no solo como la película más cara nunca rodada sino también la que más había visto aumentado su presupuesto original en toda la Historia del cine.

   Muchas de estas noticias parecían claramente destinadas a devaluar la imágen de Costner de clara al público, como el despido fulminante y de malas maneras del compositor Mark Isham cuando tenía ya compuesta el 25% de la banda sonora por no quedar el actor satisfecho(Lo cierto es que finalmente la banda sonora la acabó escribiendo James Newton Howard), otras eran de credibilidad más dudosa como que el actor, en su desmesurado ego, había exigido que se aplicase efectos digitales en sus planos para "adelantar" la linea de su cabellera y ocultar su entonces todavía muy incipiente alopecia. También se habló que el exceso de atribuciones que en calidad de gran estrella de la función y productor se arrogaba Costner con decisiones como el citado despido de Mark Isham o la contratación a última hora de Joss Whedon para que hiciera reescrituras de última hora(Un trabajo que el propio Whedon define como "7 semanas infernales", habían enojado bastante a un Kevin Reynolds que se sentía que se le usurpaba sus atribuciones como director y se le privaba de capacidad de decidir, y lo cierto es que al parecer el director terminó abandonado las riendas del film tras el rodaje y según se comenta fue el propio Costner el que tuvo que hacerse cargo de la postproducción. Los dos Kevin tardarían alrededor de 20 años en superar sus rencillas y reencontrarse de nuevo en la miniserie western "Hatfield y McCoy".

   En el momento de su estreno a finales de julio de 1995 ya hacía meses que la industria cinematográfica iba a ser testigo de un gigantesco fracaso en taquilla, equiparable a los de "Ishtar"(1987) y "La Puerta del Cielo"(1981) debido a los excesivos costos, la mala prensa y la pésima calidad del film(Sobre todo en un guion que no sabía hacer creible de ningún modo la absurda premisa en que se basaba ese mundo postapocalíptico). Además la mala prensa había provocado que salvo la juguetera Kenner que se atrevió a sacar una linea de figuras de acción(Me temo que de escaso éxito de ventas, al menos en España ni se molestaron en comericalizarlos) ninguna empresa mostrase interés en licencias relativas al merchandising basado en el film(Algo muy importante a la hora de que un film tan costoso de beneficios.
[Imagen: a44ea94d4262dda14fb2a6aae9fd6371.jpg]



  [Imagen: WWORLD-9.JPG]

      La película se estrenó liderando el box office en su primer fin de semana en la taquilla USA pero al final ni siquiera pudo llegar en esta a la barrera de los 100 quedándose en unos magros 88 millons. Fuera de Estados Unidos el rendimiento fue mejor por lo que la taquilla mundial acabó siendo de  264.20 millones. Ahora bien si tenemos en cuenta que el presupuesto invertido de 175 millones se convertía en un coste general de 235 millones si incluiamos el coste de la campaña publicitaria de Universal y que una parte de lo recaudado iba para los exhibidores, podemos dar por hecho que sin ser una ruina, la película apenas pudo dar beneficios en su explotación cinematográfica, aunque bien es cierto que a lo largo de los años, con los derechos de explotación en tv y en formato doméstico, ha terminado dando unos mínimos ingresos. 

    En cuanto a como la acogió la crítica, quizás porque toda la mala prensa la había preparado para encontrarse ante un bodrio terminó tratandola de forma más benévola de los esperado, con reacciones divididas, criticando su guion y su falta de imaginación por plagiar en exceso la iconografía futurista de la saga  "Mad Max" pero reconociendo la brillantez de las escenas de acción orquestadas por Kevin Reynolds(Y por Costner que al fin y al cabo hizo el montaje) que superaban en espectacularidad a su Robin Hood(La secuencia del ataque de la horda de "smokers" a la ciudad atolón es toda una proeza de puesta en escena) y su lujoso envoltorio visual(A pesar de algún efecto de pantalla azul que desluce el conjunto, fruto sin duda de la falta de tiempo y de la imposibilidad de invertir más dinero aún. Una valoración muy tibia por parte de la crítica que muy seguramente frustró a un Kevin Costner que se habia dejado la piel con esta película. Poco sabía él que tan solo 2 años después con un film de temática similar: "Mesajero del Futuro" iba a tener un fracaso crítico y comercial aún más estrepitoso y que solo volvería a levantar la cabeza algo cuando dejara los futuros apocalipticos para volver al pasado en concreto al género  western que es el que le había encumbrado, con la excelente "Open Range".

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#13
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A Waterworld la metería en esa (amplia) categoría de 'películas malas que me gustan'. También te digo que hace la de dios que no la veo.
Esta también la fui a ver al cine (veo que el 95 fue un año en el que no me perdí casi ningún blockbuster) y recuerdo que tenía un hype tremendo con ella. Y que me gustó bastante. Con los años he ido variando de opinión para bien y para mal dependiendo de por donde me den los aires en ese momento, pero en líneas generales, como digo es una peli que disfruto.
La verdad es que hoy en día se echan de menos proyectos así de locos y mastodónticos, donde la megalomanía de las estrellas lo manda todo a la puta en pos del delirio máximo. Hoy la hubieran hecho entera con CGI y no tendría ni la más mínima gracia.

Kevin Reynolds en los 90 apuntó tan alto como un Roland Emmerich haciendo películas cada vez más grandes, elefantíasicas y épicas. Si Waterworld hubiese triunfado vete a saber qué más epopeyas nos habría contado, pero su prestigio resultó tan dañado que desapareció del mapa haciendo películas que pasaron desapercibidísimas.
La última que hizo, 'Resucitado', a mi me moló a pesar de que empieza bastante mejor que acaba.
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#14
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"Waterworld" es de esas pelis que jamás me he terminado de atrever a ver ya que tiene un San Benito de peli maldita tatuado en la frente del que creo que es imposible que se desembarace (lo mismito me ocurre con "Mensajero del futuro", que nunca he visto entera). Y lo poco que he visto de ella no me atrae en absoluto. Una pena porque "Bailando con lobos" me parece un peliculote mayúsculo (su versión cinematográfica. La extendida me parece un peñazo importante).
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#15
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(30-06-2020, 07:48 AM)Leto83 escribió: "Waterworld" es de esas pelis que jamás me he terminado de atrever a ver ya que tiene un San Benito de peli maldita tatuado en la frente del que creo que es imposible que se desembarace (lo mismito me ocurre con "Mensajero del futuro", que nunca he visto entera). Y lo poco que he visto de ella no me atrae en absoluto. Una pena porque "Bailando con lobos" me parece un peliculote mayúsculo (su versión cinematográfica. La extendida me parece un peñazo importante).
  Yo tengo mucho interés por "Mensajero del Futuro" porque hay quien la defiende con mucha pasión considerándola un gran "western" situado en un futuro postapocalíptico, y la verdad es las pocas escenas que he tenido oportunidad de ver sí que hay un aroma a western.
Si no eres muy exigentes en cuanto a guion y solidez del guion y la historia y solo pides espectáculo visual y buenas escenas de acción, "Waterworld" puede bastarte como un entretenimiento que ver para una tarde o noche veraniega(La mejor época para verla).
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#16
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Los 80 y primeros 90 fueron años muy convulsos para Metro Goldwin Mayer/United Arstist, un conglomerado creado a partir de la fusión de dos "majors" en 1981 que unían fuerzas para superar sus terribles problemas económicos. Pero entre 1980-1990 los éxitos en taquillas fueron escasos: "Poltergeist", "Juegos de Guerra"..... y sus dos activos más poderosas de cara al público: Las franquicias "Rocky" y "James Bond" a final de la década y principios de las siguientes se habían desinflado, hasta e punto de que ambas habían quedado congeladas(En el caso de 007 también influyó mucho los conflictos entre la productora y el estudio a cuenta del reparto de los beneficios televisivos de los títulos de la saga).  
  
  Todo ello llevó a que la producción del estudio fuera mínimo en los primeros años 90 con títulos de escasa resonancia (Salvo "Thelma y Louise" de Ridley Scott). Pero tras una serie de conflictos en la cúpula del estudio, la propiedad de este fue quitada de las manos del millonario Giancarlo Parreti(Propietario también de Pathé) en favor del Credit Lyonnais Bank, el cual a su vez despidió de la presidencia del estudio a Alan Ladd Jr(El productor que en los 70 había conseguido que Fox abalara el proyecto de "Star Wars" de George Lucas) y puso en su lugar a Frank Mancusso Sr.

   Mancuso ya, en la silla de CEO se propuso que las producciones de MGM/UA volviera a tener presencia en las salas de cine y así en 1995 bajo el manto del estudio se estrenaron una cantidad de películas con altas pretensiones de taquilla como nunca se había visto en años. La más destacada fue sin duda "Goldeneye" que estrenada a finales de dicho año resucitó milagrosamente la saga Bond y la devolvió a su condición de saga popular que aún hoy 25 años después mantiene, pero también hubo otros títulos como la excelente película de aventuras históricas clásica "Rob Roy: La leyenda de un rebelde" a cuenta del héroe independentista escocés (Cuya coincidencia en el tiempo con "Braveheart" hizo que en 1995 los escoceses amaran Hollywood y los ingleses todo lo contrario), o la comedia negra dirigida por Bary Sonnefield con John Travolta "Como conquistar Hollywood". Claro que en el caso de "Showgirls" la cosa acabó en tropiezo en taquilla a pesar del "hype" que la película de Paul Verhoeven tuvo gracias a su etiqueta de "film sexualmente escandaloso".
  
 Sin embargo para  la epoca estival el principal título de MGM era una película que no estaba dirigida por un director de mucho nombre, sino por un austero artesano: Roger Donaldson, tampoco formaba parte de una franquicia de probado éxito, sino un film original, aunque con la clara condición de convertirse en el primero de una serie, y no contaba como principal protagonista a una estrella, sino a una espectacular y escultural modelo canadiense de solo 21 años (Aunque arropada en papeles por sólidos actores de carácter como  Ben Kingsley, Alfred Molina, Forrest Withaker o Michael Madsen.

   "Species: Especie Mortal" era un producto que, a pesar de su generoso presupuesto de 35 millones, no disimulaba su condición de serie "B"  de vocación "explotation" que intentaba sacar rédito a base de "inspirarse"(Por no decir "plagiar") éxitos dentro de las "monsters movie" de la ciencia ficción de los 80 y 90, sobre todo  "Depredador"(En especial la segunda parte que se ambientaba en un entorno urbano) y especialmente "Alien" y "Aliens", hasta el punto de que el diseño de la criatura monstruosa en la que se transforma la protagonista cuando da rienda suelta a sus instintos asesinos, era creación del mismísimo H. R. Giger, el creador del xenomórfo del film de Ridley Scott.

   La película nos contaba como gracias a la información recibida desde el espacio, en un laboratorio se creaba un ser híbrido mitad humano y alienígena, con el aspecto de una adolescente desvalida (La futura estrella pero entonces desconocida Micelle Williams). Pero los militares y científicos al descubrir que han creado una criatura letal de instintos asesinos que en caso de procrearse pondría en peligro la supervivencia humana, ya que su función es la de ser un "caballo de Troya" enviado por una inteligencia extraterrestre para acabar con nosotros, deciden su exterminio, pero la adolescente consigue escapar del laboratorio, y llegar a Los Angeles, no sin antes transformarse en una hermosísima mujer adulta que llegada a la urbe californiana será perseguida por un grupo de científicos encabezado por el científico que la creó (Ben Kingsley) y un agente del gobierno (Michael Madsen) para conseguir acabar con ella antes de que se aparee con algún hombre y procree.

   "La futura Michelle Pfeiffer", aunque cueste creerlo así se llegó a bautizar a Natasha Henstridge, la debutante protagonista del film, antes de la fecha de su estreno, lo cierto es que la propia Natasha, bien por sus limitadas capacidades interpretativas, o tal vez porque su impresionante belleza solo le ha servido para ser explotada como florero decorativo y no ha podido desarrollar todo su potencial(Como si pudo, por ejemplo, Kim Bassinger en "L.A Confidential") acabó teniendo una carrera en el cine bastante discretita, relegada a papeles de segunda en producciones de escaso empaque, hasta el punto de que este film y su secuela, a pesar de los poco recordadas que son hoy en día, han terminado siendo sus películas más destacadas.

  Su mezcla de acción, terror y erotismo(A base de explotar la exhbición del cuerpo desnudo de la actriz) estaba claramente enfocado hacia el público más joven y a pesar de su mediocridad y falta de originalidad, y de que el CGI cuando vemos a Sil en su forma alienígena al final es mejorable(Aunque quizás para los estandares de 1995 tampoco se podía pedir más) la cosa funcionó entre el público, no tanto entre la crítica. En todo caso MGM creyó tener un posible filón y solo 3 años después estrenó "Species 2", que a pesar de contar con un director tan sólido como Peter Medak("Al final de la escalera", "Doble Juego" o "Los Krays" son films de calidad indiscutible) con su trama aún más delirante y su festival de criaturas grotescas ya no convenció a nadie, ni a la crítica, ni al público y la saga tuvo que mudarse a los más humildes pastos del "Direct to DVD":
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#17
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Como señalé en otro comentario, 1995 fue un año en el que fui mucho al cine y eso quiere decir que vi el trailer de Species MUCHAS veces. Lo cual detestaba, porque resulta que me daba MUCHO miedo xDD. A la cuarta vez ya directamente me tapaba los ojos. Que queréis, tenía diez años.

Cuando la vi años después, provocó otro tipo de reacciones fisiológicas en mi. Aaaahhh, acción gore y tetas, echo de menos los buenos tiempos. La película es una puta mierda, pero para echar un rato tonto y alegrarse la vista vale bien.
Qué curioso, jamás había caído en que la alien chavala era Michelle Williams.
La primera como digo se puede ver, pero la segunda da mucha vergüenza ajena.
La tercera y la cuarta he coincidido alguna vez con ellas a horas intespestivas y he visto algún fragmento. Mejor no hablo.
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(13-07-2020, 01:11 AM)manuwar escribió: Como señalé en otro comentario, 1995 fue un año en el que fui mucho al cine y eso quiere decir que vi el trailer de Species MUCHAS veces. Lo cual detestaba, porque resulta que me daba MUCHO miedo xDD. A la cuarta vez ya directamente me tapaba los ojos. Que queréis, tenía diez años.

Cuando la vi años después, provocó otro tipo de reacciones fisiológicas en mi. Aaaahhh, acción gore y tetas, echo de menos los buenos tiempos. La película es una puta mierda, pero para echar un rato tonto y alegrarse la vista vale bien.
Qué curioso, jamás había caído en que la alien chavala era Michelle Williams.
La primera como digo se puede ver, pero la segunda da mucha vergüenza ajena.
La tercera y la cuarta he coincidido alguna vez con ellas a horas intespestivas y he visto algún fragmento. Mejor no hablo.
  Era lo que era: Una explotation pero una de lujo con 35 millones de presupuesto y un elenco de actores como Kingsley, Molina o Madsen por lo que muchos matarían.
  
  El caso es que a pesar de ser un prodcuto "too much derivative" que es como dicen los americanos de las pelis que se apropia en exceso de los hallazgo de otros films podría haber sido un pequeño clásico, tal vez deberían haber invertido menos  dinero y más imaginación a la hora de desarrollar una premisa en principio sugerente.

  Por si no la recuerdas así lucía Michelle Williams en el film. Aunque se ha convertido en una mujer adulta muy bella no ha llegado a los niveles de megapivón pata negra de la Henstridge(Pero es que  el listón estaba muy alto):

[Imagen: 20160819151113.jpeg_875081608.jpeg]
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#19
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Pues que curioso, porque de chaval la que acabé yendo al cine a ver ese verano fue...

[Imagen: Power_Rangers_La_Pelicula-Caratula.jpg]

Que le vamos a hacer, en aquel entonces, la serie se encontraba en su mayor pico de éxito y no había mañana que no me levantara para ver un capitulo de esta serie, emitida por aquel entonces por Telecinco. Claro, cuando encima anunciaron película, aquello fue el acabose. Los Power Rangers en pantalla grande, si eras chaval en esa época, la tenías que ver si o si. Y así fue como arrastré a mi pobre padre en una cálida noche para ver la condenada peli. Lo malo es que llegamos tarde y entramos a mitad de película, con el desbarajuste argumental que eso llevaba. Lo bueno es que en aquella época te podías quedar a ver la peli cuanto quisieras, por lo que luego nos la vimos entera de nuevo. Claro que tampoco a mi es que me importara demasiado, yo solo quería ver a los Power Rangers dando mamporros y por suerte, de eso tuve bastante ración.





En fin, decir que ha envejecido mal sería hasta un cumplido. Las peleas de Mortal Kombat están cien mil veces mejor en comparación.

Todo ello con una banda sonora peculiar en la que lo mismo escuchabas a Van Halen o los Red Hot Chili Peppers o esto:



En fin, un producto de su tiempo que no va a pasar a los libros de historia, pero fue una de mis primeras y nítidas experiencias en el cine, así que le guardo cariño.
Vivo o muerto, seguiré comentando.
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#20
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Salvo por lo de llegar tarde a la sesión, mi experiencia con la peli podría ser perfectamente la tuya xD. Vi la peli en cine, me la compré el día que salió en video, tuve la banda sonora, el megazord, la adaptación en cómic.....
Que estaba que no cagaba con ella vamos. Yo también fui muy powerangero, pero la siguiente peli que sacaron, más similar a la serie en estética, ya me pilló con los gustos algo cambiados.
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